Skulptur 2

LINIE UND FLÄCHE

Eine Linie, die kontinuierlich verläuft: mal gerade, dann rechtwinklig, eine Figur bildend, die in die Vertikale strebt. Norbert Krickes Raumplastik XXXVIII (1975/1976) ist eine filigrane Konstruktion – eine sachte Setzung aus Edelstahl, die den Raum fast un­­merklich durch ihre Linienführung markiert, als etwas Vorhandenes kenntlich macht, doch nicht begrenzt, viel mehr seine Spektren betont. „Unser Raum hat tausend Qualitäten. Es sind die, die wir ihm geben“, bemerkt Kricke 1962.3 Krickes Geste ist konzeptuell – wie jene von Bernard Venet, der mittels einer in sich geschwungenen Linie gleichsam auf die Ausdehnung von Raum, auf Expansion verweist. Venets Stahlplastik Ligne Indéterminée (1994), die der Künstler wiederholt und in verschiedenen Größen ausgeführt hat, kreist die Idee von kontinuierlicher Bewegung ein, die in seinen Werken zumeist an das Zufällige im Kontext von Aktion und Interaktion gekoppelt ist. In jedem Handlungsgefüge entstehen Facetten, die den Raum, der uns umgibt, schleifen, ihn in seinem konstanten Verlauf von Zeit als etwas Konkretes im Jetzt zeigen – grenzüberschreitend. Dafür haben sich zeitlebens Martin und Brigitte Matschinsky-Denninghoff eingesetzt. Ihre 1964 gefertigte Skulptur (64/5) ist rund zehn Jahre nach Beginn ihrer Zusammenarbeit entstanden. Feine Stäbe aus Messing sind durch Zinn aneinander gerafft, bilden im Verblenden der Materialien eine Fläche, die einem in Falten gelegten Vorhang gleicht. Sichtbares und in den Materialschwüngen Verborgenes wechseln sich ab, mäandern. Das wie eine Welle gewölbte, mit Acryl durch Spritzpistole gefärbte Aluminium der Skulptur Ohne Titel (2023) von Katharina Grosse changiert in dem, was es an Ersichtlichem und Verborgenem preisgibt: Konzipiert als flaches, an die Wand gelehntes Objekt, strahlt die flächig aufgetragene, zuweilen in Schlieren verlaufende Farbe an die weiße Wand ab. Sie bildet ein farbiges Glühen, in dem sich der plastische Körper schemenhaft doch in seiner physischen Präsenz fortsetzt.

BEWEGUNG UND POSITIONIERUNG

Georg Kolbes Kleine Amazone basiert auf einem Entwurf, den der Bildhauer 1912 als Zeichnung an­gefertigt hat. Kolbes Kleinplastik aus Bronze, die er nach dem Ersten Weltkrieg nochmals überarbeitete, gehört zu dem Frühwerk des Bildhauers – und spiegelt die Anfänge der Galerie Ludorff, die ihre Sammlungstätigkeit mit Werken von Georg Kolbe, Renée Sintenis und Wilhelm Lehmbruck 1975 aufnahm. Der Körper von Kolbes Frauenakt steht in einer stabil-dynamischen Pose, der rechte Oberschenkel der Figur ist überdeckt von einem fließend-wehenden Tuch, ihr Kopf zur linken Seite gewandt. Kolbes Kleine Amazone ruht aktiv im Stand, weist eine selbst­bewusste Verortung auf, ausgeglichen in der Positur, authentisch. Sie steht damit in Nähe der Reform­bewegung des 19. Jahrhunderts und wirkt als Ruf in eine befreite, moderne Gesellschaft. Insbesondere in den Plastiken von Renée Sintenis findet sich in diesem Kontext der Fokus auf Menschen- und Naturdarstellungen in Gestalt von Tierkleinplastiken. Sintenis‘ Galoppierendes Fohlen (1929) nimmt durch die langgestreckten Vorderbeine und die zum Sprung angewinkelten Hinterläufe des Jungtieres eine besondere Stellung ein: denn in den Darstellungsformen der Beinbewegungen verschmelzen Mensch und Tier zu einem homogenen Körper in Bewegung, zu einer Nähe zwischen verschiedenen Erscheinungsformen des Lebendigen. Eine nahezu ruhende Ausgeglichenheit findet sich in der aus Messing geformten, verchromten Kleinplastik Doublement (1969) von Max Bill. Bewegung und Positionierung – etwa als Mensch zum eigenen Lebensumfeld – erscheinen, der Konkreten Kunst folgend, hier in absolut reduzierter geometrischer Form. Denn die hochglänzende Oberfläche der Kleinplastik wirkt wie ein Spiegel, in dem der umliegende Raum reflektiert, in dem Blicke der Betrachtenden, die den – eins, zwei, vier – sich kreuzenden und einander Halt gebenden Stäben folgen, einander finden, eine austarierte gesellschaftliche Wirklichkeit zu schaffen.5 Eine Utopie?

Die überlebensgroße Arbeit Painted Silhoutte (1987) von Allen Jones übergibt durch die schwarze Kugel, die sie mit der linken Hand fasst, nahezu einen Auftrag, zeitbezogene Gesellschaftsentwicklungen stets aus reflektierender Perspektive in den Blick zu nehmen. Der britische Pop-Art-Künstler Jones verhandelt visuelle Anhaftungen an medial überlieferte Bildvorstellungen und die Koppelung von Bild und Objekt: Die weibliche Silhouette ist aus einer dünnen Stahlplatte geschnitten und primär in Yellow, Magenta und Cyan bemalt; jene Farben, die im Druck von Medienprodukten Verwendung finden. Der athletisch-sexualisierte Körper der Figur wird von einer schmalen Einkerbung eines kreisrunden Podests getragen, vorgeführt. Das Austarieren von Kräften und die Fragilität medial überlieferter Bilder blenden ineinander und sind fast vierzig Jahre nach dem Entstehen dieser Skulptur von höchster Relevanz.